Le pop art

Le récit

Une soupe en galerie

À l’été 1962, dans une petite galerie d’art de Los Angeles, apparut une chose étrange : trente-deux tableaux alignés sur le mur, comme les boîtes sur une étagère de supermarché. Chacun montrait le même sujet, une boîte de soupe Campbell’s, avec un parfum différent : tomate, poulet et riz, champignons, bœuf. Les visiteurs restaient perplexes. Était-ce de l’art, ou une plaisanterie ? L’auteur était un jeune artiste de New York, Andy Warhol.

Warhol, né en 1928 à Pittsburgh dans une famille d’immigrés d’Europe de l’Est, avait d’abord travaillé comme dessinateur publicitaire, et connaissait bien les trucs des journaux, des vitrines et des affiches. Peindre une soupe en boîte, quelque chose que tous les Américains voyaient chaque jour, était un choix voulu. Il disait qu’il aimait ce qui est simple, répété, identique pour tout le monde : un sandwich, une bouteille de Coca-Cola, une boîte de conserve. Il n’y avait rien de noble, d’ancien ou de romantique : c’était la vie de tous les jours, transformée en œuvre d’art.

Qu’est-ce que le pop art ?

« Pop » est un mot anglais qui vient de « popular », populaire. Le pop art naquit dans les années 1950 et 1960, en Angleterre et surtout aux États-Unis, quand les pays les plus riches avaient découvert le bien-être : supermarchés, télévision, bandes dessinées, publicité, voitures, stars du cinéma et de la musique. Les artistes pop prirent justement ces symboles de masse et les mirent dans les musées. Avant cela, l’art « sérieux » peignait des paysages, des portraits, des sujets religieux ou des formes abstraites ; désormais, les bandes dessinées et les produits en vente entraient dans les galeries.

Parmi les premiers à y travailler, en Angleterre, il y eut Richard Hamilton, avec un collage de 1956 qui montrait une maison moderne pleine d’objets publicitaires. Aux États-Unis, Roy Lichtenstein se distingua : il agrandissait les cases des bandes dessinées avec leurs petits points de couleur et leurs onomatopées, comme dans « Whaam ! ». Claes Oldenburg réalisa d’énormes sculptures molles de hamburgers et d’objets courants. En Italie, à Rome, un groupe d’artistes, dont Mario Schifano et Tano Festa, apporta le pop art dans la ville des monuments antiques.

L’usine à images

Warhol voulait que son art soit produit comme en usine. Dans ses œuvres suivantes, il utilisa la sérigraphie, une technique d’impression où l’encre passe à travers un tissu tendu et permet de répéter la même image de nombreuses fois. Son atelier de New York s’appelait « The Factory », l’Usine : un grand espace tapissé de papier d’aluminium argenté où travaillaient des assistants et où passaient musiciens et acteurs. Les années suivantes, il peignit aussi les visages de gens célèbres. Après la mort soudaine de Marilyn Monroe, en août 1962, il en fit une œuvre, le « Marilyn Diptych », en répétant son visage en cinquante images, en couleurs vives d’un côté et en noir et blanc de l’autre, comme pour dire que la célébrité dure autant qu’une publicité.

Les trente-deux « Campbell’s Soup Cans » furent mises en vente à cent dollars pièce. Le galeriste Irving Blum les acheta toutes pour les garder ensemble et, en 1996, vendit toute la série au Museum of Modern Art de New York, le MoMA, pour quinze millions de dollars. Aujourd’hui, les tableaux de Warhol sont parmi les plus chers et les plus connus du monde.

De l’art pour tous

Le pop art mit beaucoup de gens en colère : critiques et collectionneurs disaient que ce n’était pas du vrai art. Mais il eut un grand succès parce qu’il parlait de choses connues de tous, avec des couleurs fortes et des images claires. Il fit comprendre que la culture populaire, celle des supermarchés et de la publicité, mérite l’attention comme tout le reste, et invita à regarder avec d’autres yeux les objets de tous les jours. On attribue aussi à Warhol une phrase célèbre : « Dans le futur, tout le monde sera célèbre pendant quinze minutes. »